第606章、我思故我在，自我的存在（第2/2页）

因为创新是艺术永远的主题。

文艺复兴时期的那些顶级巨匠，或者说中国历史上那些大画家们，已经把各种绘画技巧和创新花样都搞了个遍。

一两千年下来，怎么创新都有别人的影子。

所以可想而知这有多难。

但艾米拉恰恰没有这种问题，他就像牙牙学语的孩子，一切都是新的，不受任何框架的限制，万长生、费雪雁都只是给他教导艺术品和随手涂鸦的区别，譬如一幅画总得有个主题，表现手法总要有自己的风格，其他的徐朝晖天天陪着根本就没有限制过什么。

所以他的画就是充满了无穷尽的想象力。

黄院长看着笑，转身对这边已经站得水泄不通的嘉宾、官员、镜头和灯光：“这就是艺术的本源，内心对艺术表达的渴望，首先，我得说我也不知道小画家这幅画的内容是什么，我也看不懂，但走近些，凝视这张画，慢慢走近，让你的视线里面只有这张画，仿佛整个天地里面只有你面对这幅画的时候，你就会有种特别的感受……”

怎么形容呢，就像这些画作，如果把价格标在那，任何人看的时候就会下意识的分出价码高下来，但是只有个二维码，那么第一眼看的就是画本身，关注的是画面在表达传递什么。

黄院长说的也是这样一种境界。

具象写实的作品，挂在那只要一看就会明白哦哦这是讲的什么，表达什么情感，仔细观察笔触或者画面角色眼神，这都能区分出画家的高明与否，甚至观众还会受到画家身份名气的影响。

但是在这种完全抽象，天马行空的画面面前，要么毫无兴趣的一掠而过，要么逼着自己定睛观看，让所有瞳孔注意力都放到画面上。

对艺术敏感，或者跟画家表达情绪有共鸣的人，也许就能感受出来那里面充沛的情感！

这就是禅宗里面常说的“看山不是山，看水不是水”，在越过了看山是山，看水是水的阶段以后，绘画已经不是画面上那些技巧来体现的好看不好看。

而是期望用抽象的内容，表现画家的内心感受。

把喜怒哀乐呈现给观众。

这就要求观众起码能有点哲学思维，而且能够和画家的思路产生共鸣。

所以说对于国外艺术家的文化逻辑、哲学思想根本契合不上的国内观众，根本都欣赏不来抽象作品。

这是个文化沉淀的问题，我们才把扫盲解决了多少年，文化普及搞定了多久，高等教育比例达到多少？

只有在文化层次普遍发达的时代，审美才能整体提高。

而不是成为极少数拥有天赋的艺术家小圈子孤芳自赏。

万长生眼里闪耀着光彩，不动声色的示意上面二层架着摄像机、照相机的马振宇他们，加大拍摄力度！

趁着老黄搞一波！

马振宇却用眼神提醒他，有个胖大姐绕着弯悄悄走到他身后来了！